Che Intervista
Quando il tatuaggio diventa arte, memoria e dialogo silenzioso
Nel panorama del tatuaggio contemporaneo, Alex Falchi, fondatore di Neroinkiostro Tattoo, rappresenta una voce autentica e profondamente artistica. Il suo lavoro non si limita alla realizzazione estetica del segno, ma diventa un percorso emotivo e simbolico, un viaggio condiviso tra l’artista e la persona che sceglie di imprimere sulla pelle un frammento della propria storia.
Nei suoi tatuaggi convivono classicismo, simbolismo e texture puntinate, in un linguaggio visivo che parla di memoria, equilibrio e rinascita. Ogni tratto diventa un atto di verità, ogni ombra una testimonianza di vita.
a cura della redazione
Benvenuto su Che! Intervista, Alex. Il tuo modo di intendere il tatuaggio va ben oltre l’aspetto estetico: come nasce questa visione così profonda e intima del tuo lavoro?
Credo che tutto nasca dall’ascolto. Prima ancora del segno c’è la storia, e prima della storia c’è una persona che porta con sé silenzi, scelte, cicatrici, ricordi.
Per me tatuare significa entrare in punta di piedi in quel mondo e cercare di restituirlo in una forma visiva. Non è mai solo estetica: è una traduzione dell’anima, un modo per dare corpo a qualcosa che esiste già dentro.
Hai detto che il tatuaggio è “un linguaggio simbolico capace di dare forma a ciò che non si riesce a dire”. Cosa significa per te trasformare le emozioni in segni sulla pelle?
Significa dare un peso visivo a ciò che non trova parole. Molte emozioni sono liquide, non hanno contorni, ma attraverso il segno diventano memoria.
Ogni linea, ogni ombra è un passaggio: dalla fragilità alla forza, dalla paura alla consapevolezza. È un dialogo silenzioso tra chi sono io, chi ho davanti e la pelle che diventa il luogo in cui tutto si incontra.
Parli spesso di “percorsi” più che di semplici immagini. Quanto è importante la relazione e l’ascolto della persona che si affida a te prima di iniziare un nuovo progetto?
È la parte più importante di tutto. Il tatuaggio non inizia con la macchinetta, ma nel momento in cui la persona sceglie di raccontarsi. Ascoltare significa accogliere, ma anche percepire i dettagli nascosti — il tono della voce, i silenzi, le esitazioni.
Da lì nasce un percorso che è sempre condiviso: io traduco, ma il racconto è suo. È una forma di fiducia reciproca che va oltre il lavoro artistico.
Nel tuo stile convivono forza e fragilità, luce e vuoto. Come riesci a trovare l’equilibrio tra questi opposti nella costruzione di ogni opera?
La mia ricerca è proprio questa: cercare l’armonia nel contrasto. Credo che la bellezza non stia nella perfezione, ma nella tensione tra ciò che resiste e ciò che cede. Uso il nero come simbolo di profondità, e il vuoto come spazio necessario perché il segno respiri. Ogni opera è un equilibrio sottile tra il pieno e l’assenza, tra il controllo e l’imprevisto.
C’è un tatuaggio, o un incontro, che ha segnato particolarmente il tuo percorso artistico e umano?
Sì, ce ne sono stati diversi, ma più che un singolo tatuaggio, direi che mi hanno segnato gli incontri.
Ci sono storie che restano impresse più dell’inchiostro, persone che arrivano in studio con un peso e vanno via con una nuova consapevolezza.
Ogni volta che questo accade, sento che il mio lavoro ha un senso. Non è la pelle che cambia, ma lo sguardo di chi la abita.
Le tue creazioni si muovono tra arte, psicologia e ritualità. Quanto c’è di meditativo o spirituale nel tuo processo creativo?
C’è moltissimo. Tatuare, per me, è un atto meditativo. Quando lavoro, tutto il resto scompare: il rumore del mondo si ferma e rimane solo il suono costante della macchinetta e il ritmo del respiro. Ogni linea è una forma di preghiera laica, un gesto ripetuto che porta presenza e concentrazione. È il mio modo di entrare in connessione con qualcosa di più grande.
Le texture puntinate e i richiami al simbolismo classico sono elementi distintivi del tuo stile. Come si è evoluta nel tempo la tua ricerca visiva e tecnica?
È un’evoluzione continua, fatta di studio e ascolto. Le texture puntinate nascono dal bisogno di dare profondità al segno senza forzarlo, come se la pelle respirasse. Il simbolismo, invece, è ciò che mi lega all’arte classica e al pensiero antico: amo ciò che resta, ciò che parla anche dopo il tempo.
Cerco sempre di unire tecnica e significato, perché una non può vivere senza l’altra.
In un’epoca dominata dall’immagine immediata e digitale, cosa rappresenta per te la pelle come spazio artistico e luogo di memoria?
La pelle è l’opposto dell’immediatezza. È lenta, viva, imperfetta — e proprio per questo vera. Ogni segno che traccio deve convivere con il tempo, con il corpo che cambia, con la vita che passa. È un archivio emotivo, un diario che non si può cancellare. In un mondo che scorre troppo veloce, la pelle ricorda.
NeroInKiostro Tattoo è anche un nome evocativo: cosa racchiude per te questo concetto e come si riflette nel tuo modo di lavorare?
NeroInKiostro è una dichiarazione d’intenti.
Il nero rappresenta la profondità, la verità che si nasconde dietro la superficie. L’inchiostro è il mezzo con cui quella verità prende forma. È un modo di dire che ogni segno ha una storia, e che ogni storia merita di essere raccontata con rispetto, intensità e silenzio.
Come immagini l’evoluzione del tatuaggio come forma d’arte e qual è la tua “prossima rinascita” artistica?
Credo che il tatuaggio stia vivendo un momento di transizione: sta uscendo dall’estetica pura per entrare nel linguaggio dell’arte e della psicologia.
Per me la rinascita sarà continuare a creare spazi dove il tatuaggio possa essere vissuto come esperienza e non solo come ornamento. La mia prossima rinascita sarà sempre la stessa: ogni volta che un nuovo segno nasce sulla pelle di qualcuno, io ricomincio da lì.
Grazie Alex per questa interessante intervista e complimenti per il tuo lavoro!
Per saperne di più visita:
Instagram | neroinkiostrotattoo
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